Tag: Photographie

Richard Prince

Richard Prince

Né le 6 août 1949 dans la zone américaine du canal de Panama, est un artiste peintre et un photographe américain dont le travail est rattaché à l’appropriation art et a souvent été l’objet de débats dans le monde de l’art.

Peintre de figure expérimenté, Richard Prince commence à créer des collages contenant des photographies en 1975.

En 2004, Prince illustre l’album Sonic Nurse des Sonic Youth.

En 2008, lors de la soirée finale de son exposition au musée Guggenheim de New-York, des mannequins, des infirmières masquées, ont présenté la nouvelle collection de sacs créés pour l’entreprise de luxe Louis Vuitton. Les sacs « Untitled monogram » se jouent du monogramme de la marque au risque de perturber la clientèle traditionnelle du malletier français.

Fin 2008, le photographe Patrick Cariou porte plainte contre Richard Prince pour atteinte au droit d’auteur, Richard Prince ayant utilisé des photographies du livre Yes Rasta de Cariou pour réaliser des collages, dont 39 ont été présentés durant l’exposition Canal Zone. Si une première décision donne raison à Cariou, la cour d’appel américaine inverse ce jugement et autorise Prince à exposer et vendre ses tableaux, en s’appuyant sur le principe du Fair use.

Entre septembre et octobre 2014, l’exposition New Portraits présente à la Galerie Gagosian 38 portraits tirés de captures d’écrans du réseau social Instagram, vendues en moyenne 100 000 dollars chacune.

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© – Richard Prince

04/09/2016
Hiroshi Sugimoto

Hiroshi Sugimoto (杉本博司, Sugimoto Hiroshi), né le 23 février 1948 à Tokyo, est un photographe japonais partageant actuellement son temps entre Tokyo et New York. Son œuvre se compose de séries ayant chacune un thème différent mais partageant une logique semblable. Sugimoto est réputé pour son excellente technique photographique, centrée sur l’utilisation du format 8×10 pouces et des expositions extrêmement longues. Les aspects conceptuels et philosophiques de son travail sont tout aussi appréciés.

Sugimoto a commencé son travail par Dioramas, en 1976, une série dans laquelle il photographie des présentoirs dans des muséums d’histoire naturelle. Il s’intéresse au postulat culturel courant selon lequel les appareils photo montrent toujours la réalité brute, une hypothèse qui piège beaucoup de spectateurs, qui supposent par exemple que les animaux sur ses clichés sont vivants, jusqu’au moment où ils examinent les images avec attention. Sa série Portraits, commencée en 1999, est basée sur une idée semblable. Sugimoto photographie des figures encire de Henry VIII et de ses épouses. Ces figures sont basées sur des portraits du xvi^e siècle ; lors de la prise des clichés de cette série, Sugimoto essaye cette fois de recréer l’éclairage utilisé par le peintre.

Commencé en 1978, la série des théâtres l’a amené à photographier de vieux cinémas et drive-in américains. Sugimoto choisit d’exposer le film pendant toute la durée de la séance, le projecteur du cinéma fournissant l’unique source de lumière. L’écran lumineux et intensément blanc est au centre de la composition, les détails architecturaux et les sièges du cinéma devenant les seuls sujets de ces photographies. L’unique source de lumière donne à ces travaux un aspect irréel et donne à Sugimoto l’occasion de montrer le temps qui passe au travers de la photographie, technique de l’instantané.

Site de l’artiste

© Hiroshi Sugimoto

14/02/2016
Thomas Struth

Thomas Struth, né le 11 octobre 1954 à Geldern, est un artiste et photographe allemand. Depuis la fin des années 1990 il est un des artistes allemands les plus connus et réputés au niveau international.

Thomas Struth a d’abord étudié la peinture, de 1973 à 1980, à la Staatlichen Kunstakademie (Académie d’arts de la ville) à Düsseldorf avec Gerhard Richter et, à partir 1976, la photographie avec Bernd et Hilla Becher. De 1993 à 1996, Struth est professeur à la Staatlichen Hochschule für Gestaltung (École supérieure d’Art) de Karlsruhe.

La pratique artistique de Thomas Struth est caractérisée par des séries, par exemple, des photos des rues, des portraits, des fleurs, des familles, des musées, des paysages. Thomas Struth fut surtout reconnu par la critique d’art et le marché de l’art par ses séries sur les rues Die Architektur der Straßen (par exemple Unbewusste Orte, exposition au Porticus, Frankfurt am Main, 1988) et la série Portraits. Ses inventaires architecturaux comptent des vues quotidiennes faites d’immeubles, de places et de voies ferrées qui sont plutôt perçus inconsciemment par les passants, il montre les traces du développement urbain et ses constructions. Ces images grand format se confrontent avec le quotidien qui est présentée comme inhabituel – comme une curiosité dans la photographie traditionnelle.

Au milieu des années 1980, Struth a ajouté une nouvelle dimension à son travail quand il a commencé à produire des portraits de famille. Cela fut après une rencontre avec le psychanalyste Ingo Hartmann. En résultat, ces œuvres tentèrent d’illustrer la dynamique sociale sous-jacente pourtant présente à l’intérieur d’une photographie fixe.

Somme toute, les séries de Thomas Struth posent des questions sur la manière conventionnelle de voir les sujets photographiés, les indications visibles changent et, l’attente élargit le concept photographique.

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[su_column size=”1/2″] Site de l’artiste [/su_column]
[su_column size=”1/2″] Il est représenté par la galerie Marian Goodman New York – Paris. [/su_column]
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© Thomas Struth

31/01/2016
Pierre Huyghe

Pierre Huygue

Pierre Huyghe, né en 1962 à Paris, est l’un des artistes contemporains les plus novateurs et influents de sa génération. Son travail transcende les frontières entre les disciplines artistiques, explorant les concepts de temporalité, de mémoire et de réalité à travers une variété de médiums, notamment la vidéo, l’installation, la performance et la sculpture. Dans cet article, nous plongerons dans l’univers fascinant de Pierre Huyghe, en examinant à la fois sa vie et son œuvre.

La vie de Pierre Huyghe : Une quête constante d’exploration artistique

Pierre Huyghe a étudié à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, où il a été profondément influencé par les mouvements artistiques contemporains et les idées émergentes. Sa formation artistique l’a conduit à développer une approche multidisciplinaire de la création, combinant des éléments de l’art contemporain, de la philosophie et des sciences cognitives.

Les débuts de sa carrière : Une exploration de la réalité et de la perception

Les premières œuvres de Pierre Huyghe étaient souvent caractérisées par leur exploration de la réalité et de la perception. Ses installations et ses performances remettaient en question les notions traditionnelles de temps et d’espace, invitant le spectateur à remettre en question sa propre compréhension du monde qui l’entoure. Parmi ses premières œuvres les plus célèbres figurent “The Third Memory” (1999), une installation vidéo qui explore les multiples interprétations d’un événement historique, et “L’Expédition scintillante” (2002), une performance immersive qui défie les limites entre le réel et le fictif.

L’ évolution de son œuvre : Vers une exploration plus conceptuelle

Au fil des ans, le travail de Pierre Huyghe a évolué vers une exploration plus conceptuelle de thèmes tels que la mémoire collective, la biologie et l’écologie. Ses installations éphémères et ses interventions dans l’environnement naturel ont suscité une réflexion profonde sur la relation entre l’homme et la nature, ainsi que sur les implications de nos actions sur l’écosystème mondial. Des œuvres telles que “Untilled” (2011), une installation en constante évolution mettant en scène un paysage sauvage peuplé de plantes et d’animaux, illustrent son engagement envers une esthétique écologique et participative.

L’héritage de Pierre Huyghe : Une influence durable sur l’art contemporain

L’œuvre de Pierre Huyghe a eu un impact significatif sur la scène artistique contemporaine, influençant de nombreux artistes et théoriciens avec son approche innovante et interdisciplinaire. Son engagement envers l’exploration des frontières de l’art et de la perception continue d’inspirer une nouvelle génération d’artistes à repousser les limites de la pratique artistique.

Conclusion : Une invitation à l’exploration

En conclusion, l’œuvre de Pierre Huyghe incarne une quête constante d’exploration et d’innovation, repoussant les limites de la pratique artistique et invitant le spectateur à remettre en question ses propres perceptions et croyances. À travers ses installations, ses performances et ses interventions dans l’environnement naturel, Huyghe offre une vision unique du monde qui nous entoure, stimulant la réflexion et l’imagination. En tant qu’artiste visionnaire, il laisse derrière lui un héritage durable, façonnant le paysage de l’art contemporain pour les générations à venir.

Chantal Crousel

Marian Goodman

© Pierre Huyghe

31/01/2016
Hans-Peter Feldmann

Hans-Peter Feldmann (né en 1941 à Hilden) est un artiste contemporain allemand.

Dans les années 1960, Feldmann a étudié la peinture à l’Université des Arts et de Design Industriel de Linz en Autriche. Il a commencé à travailler en 1968 en produisant des livres à la main qui allait devenir une partie de la signature de son travail. Ces livres modestes, tout simplement intitulé Bilde (photo) ou Bilder (Images), comprendraient une ou plusieurs reproductions d’un certain type – les genoux des femmes, des chaussures, des chaises, des stars de cinéma, etc … leurs sujets isolés dans leur ubiquité et présenté sans légendes.

Photo Christian Marquardt/Getty Images

En 1979, Feldmann a décidé de se retirer du monde de l’art et juste faire des livres et des photos pour lui-même. En 1989, le conservateur Kasper König persuade Feldmann d’exposer dans une galerie à nouveau.

Hans-Peter Feldmann est une figure dans le mouvement de l’art conceptuel et de praticien dans le livre d’artiste et de multiples formats. L’approche de Feldmann à l’art de décisions est l’un de la collecte, de la commande et de représenter des instantanés d’amateur, imprimer des reproductions photographiques, des jouets et des œuvres d’art triviales. Feldmann reproduit et recontextualise notre lecture d’entre eux dans des livres, des cartes postales, des affiches ou des multiples. Feldmann a fait sa première série de livres entre 1968 et 1971. Les travaux du début des années 1970 comprennent 70 clichés illustrant tous les vêtements d’une femme et quatre projets de séries chronologiques, y compris, par exemple, une rangée de 36 photos d’un navire qui se déplace le long d’une rivière. La série de photographies prises à partir de Feldmann Hôtel Chambre de Windows tout en voyageant grappes 108 quelconques, des instantanés non encadrées de bâtiments, les rues et les parcs de stationnement. (Comme d’autres projets Feldmann, ce évoque catalogues photographiques de Ed Ruscha.) 11 Chaussures de gauche présente 11 chaussures empruntés à 303 Galerie employés, dans une rangée sur le sol. Que Sera a les paroles de la chanson de ce titre écrit à la main sur le mur. Chambres avec photographie simule partie d’une chambre d’hôtel avec un-in dormi lit, une table de chevet et une photo encadrée d’une femme en pantalon léopard.

Essais photographiques de Feldman pourraient avoir une singularité plus intime sous forme de livre. Son bookSecret Picturebook (1973) – est un, densément imprimée, tome savante épais avec de petites images des torses de femmes en sous-vêtements sexy inséré à intervalles. Il incarne les plus ostensiblement relation espiègle de l’artiste à la haute culture. Un autre livre, “Die Toten 1967-1993” reproduit des images de journaux de toutes les vies perdues à cause de la violence et du terrorisme qui a imprégné l’histoire allemande contemporaine.

Création d’installations soigneusement conçues à partir d’images de tous les jours est ce Feldmann est le mieux connu. En 2004-5 MoMA P.S. 1 a montré “100 Years”, une exposition composée de 101 portraits photographiques de personnes âgées de 8 mois à 100 ans. Et à l’International Center of Photography en 2008 il a rempli une chambre avec les premières pages encadrées de 100 journaux – de New York, Paris, Dubaï, Sydney, Séoul et ailleurs – imprimé le 12 septembre 2001.

© Hans-Peter Feldmann

wikipedia

28/06/2015
Maurizio Cattelan

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Maurizio Cattelan est un artiste italien né à Padoue le 21 septembre 1960. Il vit et travaille à New York.

Ses œuvres connaissent le succès à la fin des années 2000 sur le marché de l’art contemporain et chez les collectionneurs.

Enfant des rues, issu d’un milieu populaire, il débute par toutes sortes de petits boulots, mais sans succès et vit licenciement sur licenciement. Il travaille même à la morgue ce qui va le marquer et, qui sait, être à l’origine de son goût particulier pour le macabre. Au sujet de son enfance, il dit dans une interview :

« La pire période de mon existence. Les décisions sont toujours prises par quelqu’un d’autre : parents, professeurs… Je n’en garde aucun bon souvenir. »

Au début des années 1980, pour occuper son oisiveté, il se met à fabriquer des petits meubles en bois, qu’il tente de vendre, ce qui lui permet d’entrer en contact avec des personnalités du design comme Ettore Sottsass et le groupe de Memphis. Il fait alors éditer un catalogue de ses réalisations qu’il envoie par mailing aux galeries en un millier d’exemplaires. Cette action promotionnelle lui permet de faire une petite percée dans le milieu du design et de l’art contemporain.

Il décide alors de trouver sa place et de faire parler de lui par la provocation et les détournements, ou par la surprise : il plante des oliviers dans la cour d’institutions, présente une autruche empaillée avec la tête enterrée dans le sol, se balade déguisé en figurine avec une tête géante de Picasso, transforme son galeriste parisien en lapin rose et phallique, accroche sur un mur son galeriste milanais avec du ruban adhésif, crée la Fondation Oblomov.

Cattelan s’installe définitivement à New York au début des années 1990 dans un deux pièces de l’East Village qu’il occupe toujours, mais conserve son pied à terre à Milan. Il n’a pas d’atelier, juste un téléphone.

Il a créé plusieurs revues d’artistes (Permanent Food, Charley, Toilet Paper) dans lesquelles il publie notamment des images « volées » ou « empruntées » à d’autres magazines ou d’autres artistes.

Le musée Guggenheim de New York présente en janvier 2012 une rétrospective de son œuvre sur 21 années, intitulée « Maurizio Cattelan: All ».

Pour accentuer sa critique, Cattelan ouvre sa propre galerie new-yorkaise (la « wrong gallery »), galerie où rien ne se vend et qui est de toute façon fermée en permanence par simple contestation. Lorsqu’il ne veut pas se déplacer lui-même pour répondre, même de façon lapidaire, aux interviews, il n’hésite pas à envoyer son assistant et compère Massimiliano Gioni à sa place — une journaliste du New York Times s’est fait piéger.

Cattelan crée des œuvres qui font toujours scandale et donnent lieu à toutes sortes d’interprétations, jusqu’à mettre en cause la religion et le sacré, comme La Nona Ora, sculpture qui représente une effigie, en cire et grandeur nature, du défunt pape Jean-Paul II terrassé par une météorite. L’artiste n’apprécia d’ailleurs pas la revente de La Nona Ora par son collectionneur ; pour illustrer son mécontentement, il scotcha son galeriste (Massimo De Carlo) au mur afin qu’il se vende lui-même.

Il ne fabrique jamais ses pièces et utilise parfois des acteurs pour ses performances. En 1994, il persuade le célèbre galeriste Emmanuel Perrotin de passer un mois déguisé en lapin rose et pénis marchant, Errotin le Vrai Lapin. À une autre occasion, il fait pédaler sur place les gardiens du musée où on lui demande d’exposer.

Cattelan base donc son art sur le tragique, le drôle mais, surtout, la provocation. Il veut marquer les esprits, à tel point que des accidents se sont déjà produits ; à Milan, sur la place du 24-Mai, où il avait pendu trois mannequins d’enfants à un chêne, un homme outré s’est fendu le crâne en voulant décrocher ces sculptures. L’œuvre a été retirée — mais l’incident a été largement popularisé par le journal télévisé — et continue d’exister à travers les documents d’actualité de l’époque.

Sa sculpture Him, réalisée en 2001, connut un énorme succès.

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27/06/2015
Boris Achour

Boris Achour, né à Marseille en 1966, est un artiste français. Il est cofondateur, en 1999, de Public, à Paris, un espace d’art contemporain géré par des artistes et curateurs indépendants. En 2002, il cofonde Trouble, une revue d’essais critiques, avec Claire Jacquet, François Piron et Émilie Renard, qui sont rejoints, en 2005, par Guillaume Désanges.

Il enseigne à l’École nationale supérieure d’arts de Cergy-Pontoise depuis janvier 2010.

Les actions-peu sont des interventions anonymes et éphémères réalisées dans l’espace public, le plus souvent avec des éléments trouvés sur place. Les premières ont été photographiées et présentées sous forme de diaporama. À partir de 1995, elles ont été filmées en vidéo.

En 2012 dans le cadre de son œuvre “séances “(Un spectacle en forme d’exposition, une exposition sous forme de spectacle, un récit sous forme d’images de sons et de sculptures, un montage d’éléments hétérogènes, construit par le spectateur.) Boris dit : « j’ai envie de développer et de mêler certains des aspects les plus importants de mon travail de ses dernières années. J’ai envie d’échelles spatiales et temporelles différentes. J’ai envie de proposer une forme qui s’apparente autant au spectacle qu’à l’exposition. J’ai envie d’un récit qui puisse être raconté avec autre chose que des images ou des mots. »

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JOUER AVEC DES CHOSES MORTES

Œuvre-exposition au sein de laquelle le spectateur déambule dans un environnement plongé dans la pénombre où seuls des objets souvent hors d’échelle – une saucisse géante, des barrières de jardin, un iceberg, des sacs, un pupitre, des massifs de fleurs – sont éclairés de manière théâtrale. Sur un écran suspendu est projeté un film montrant cinq personnages manipulant méthodiquement chaque sculpture, dans une indétermination volontaire entre la pantomime, le burlesque ou la danse. Le film propose au spectateur, qui y reconnaît les objets présents dans l’espace, un rapport perturbé à la temporalité : quelque chose a eu lieu, ou pourrait avoir lieu. Jouer avec des choses mortes offre une expérience physique et temporelle qui associe de manière improbable l’esthétique des jeux télévisés, la sculpture minimale, les décors et éléments de spectacles d’écoles maternelle et de parcs d’attractions.

Ce à quoi il ajouta qu’il souhaité développer des collaborations avec des écrivains, desdanseurs, des acteurs et des musiciens.

Aussi Boris Achour, mène son œuvre vers un objectif différent, il désire inventer de nouveaux modes de travail, de production et de diffusion.

© Boris Achour

Site de l’artiste

20/06/2015
Ai Weiwei

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Ai Weiwei (chinois : 艾未未), né le 18 mai 1957 à Pékin, est un des artistes majeurs de la scène artistique indépendante chinoise, à la fois sculpteur, performer, photographe, architecte, commissaire d’exposition et blogueur.

Il est le fils du poète et intellectuel Ai Qing (1910-1996), et demi-frère du peintre Ai Xuan. Il est marié à l’artiste Lu Qing. Il a un fils, Ai Lao.

Ai Weiwei – Template – 2007

Ai Weiwei, Urne de la dynastie Han avec un logo Coca-Cola, 1994

Ai Weiwei, Étude de perspective — Tiananmen, 1995-2003 © Ai Weiwei

Ai Weiwei, Photographies du blog 2005-2009

Architecte, il a été conseiller artistique pour le cabinet d’architecture suisse Herzog & de Meuron lors de la réalisation du stade national de Pékin construit pour les Jeux olympiques d’été de 2008.

Il est l’un des 303 intellectuels chinois signataires de la Charte 08. Dans son classement annuel, le magazine Art Review l’a désigné comme la figure la plus puissante de l’art contemporain en 2011 : « Son militantisme a rappelé comment l’art peut atteindre un large public et se connecter au monde réel ».

Ai Weiwei – Sunflower Seeds – 2010

Ai Weiwei – Sunflower Seeds au Turbine Hall de la Tate Modern, octobre 2010.

Ai Weiwei a été arrêté par la police le 3 avril 2011, officiellement pour évasion fiscale, et libéré sous caution le 22 juin 2011, après 81 jours d’enfermement dans un lieu inconnu et des conditions dégradantes, ce qui avait soulevé une vague d’indignation à travers le monde. Il reste en liberté conditionnelle et ne peut quitter Pékin sans autorisation.

Ai Weiwei – 886 tabourets en bois antique -Bang – pavillon allemand de la Biennale d’Art de Venise 2013

Ai Weiwei – 886 tabourets en bois antique -Bang – pavillon allemand de la Biennale d’Art de Venise 2013

© Ai Weiwei

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14/06/2015
Thomas Demand

Thomas Demand

Thomas Demand in his Culver City studio in Los Angeles, CA on Thursday, May 23, 2019. Photograph by Casey Kelbaugh

Thomas Demand, né en 1964 à Munich (Allemagne), est un photographe et artiste contemporain franco allemand. Grand passionné de la photographie, il invente des maquettes en papier, les photographies avant de les détruire. Il suit ses études à l’Académie der Bildenden Künste de Munich (1987-1989), au Munich au Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf (1989-1992), à la Cité des Arts à Paris (1992-1993), et au Goldsmiths College à Londres (1993-1994).

En 1994, il reconstitue le bunker de Hitler où il échappa de justesse à un attentat. En 1999, il reproduit le tunnel à deux voies du pont de l’Alma où Lady Di a trouvé la mort. Sa dernière installation est la reconstitution de l’ambassade du Niger à Rome où les Américains ont affirmé en 2003 avoir trouvé des documents établissant que l’Irak fabriquait de l’uranium enrichi, établissant un lien trouble entre des fausses preuves réelles et son faux décor, la photographie devenant une arme politique.

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© – Thomas Demand

14/06/2015
Jordi Colomer

Jordi Colomer étudie à l’École d’art et de design Eina à Barcelone. Puis, il étudie l’histoire de l’art et l’architecture à l’université de Barcelone. Il s’intéresse à la planification architecturale dans l’urbanisme.

Colomer expose pour la première fois à la Fondation Miró en 1986 (Prototips Ideals). Il montre des sculptures faites à partir de maquettes d’architecture utopiste dénaturées.

Il étudie ensuite le cinéma expressionniste allemand et réalise des scénographies pour le théâtre (pièces de Beckett, Novarina et Joan Brossa ainsi qu’un opéra de Robert Ashley).

Une série d’installations est présentée au Musée d’art contemporain de Barcelone entre 1997 et 2000 où la vidéo s’intègre alors à la sculpture, à la scénographie et à l’architecture. Dans Simo (1997), la caméra passe sans cesse d’un espace à un autre espace, que la protagoniste remplit ou vide d’objets, qui est indistinctement extérieur et intérieur, privé et public, théâtre et coulisse. Pianito (1999), les jumelles (2001), ou Le dortoir (2002) sont d’autres vidéos, toujours présentées dans une salle de projection singulière, qui correspondent à cette période d’œuvres tournés dans des décors et espaces clos.

Colomer entreprend une série de voyages à travers la France, le Brésil, la Roumanie, le Japon, le Yémen, le Mexique dont sont issues les œuvres Père Coco (2002), Anarchitekton (2002-2004), “un crime” (2005), Arabian Stars (2005), No Future (2006), Avenida Ixtapaluca (2009). Il s’agit de performances avec des acteurs non professionnels filmés dans des espaces architecturaux monumentaux ou désertiques.

Anarchitekton est un travail sur quatre grandes grandes villes (Barcelone, Bucarest, Osaka, Brasilia). Le terme vient de Anarchitecture, un groupe fondé par l’artiste américain Gordon Matta-Clark et fait allusion aux Architektons de Kazimir Malevitch.

Dans Arabian Stars, des performers yéménites improvisés marchent face à la caméra avec des pancartes en carton mentionnant en arabe les noms d’icônes de la culture mondiale telles que Mies van der Rohe, James Bond, Mohamed Ali, Homer Simpson…

En 2008, est tourné dans le désert d’Atacama au nord du Chili le projet En la Pampa où un couple est filmé dans son errance dans ces espaces inhabités, et en train de dialoguer de façon improvisée. L’installation est présentée à la Galerie nationale du Jeu de Paume à l’automne 2008 dans le cadre d’une rétrospective consacrée à Colomer.

Site de Jordi Colomer

©JordiColomer

10/05/2015