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Florian & Michael Quistrebert

Florian & Michael Quistrebert, ces deux frères diplômés des Beaux-Arts de Nantes, pratiquent ensemble depuis 2004 un académisme technique perverti par on ne sait trop quelle déviance formelle, un art de l’anachronisme et de la grossièreté feinte.

On les a connus dessinateurs au trait de feutre joyeusement coloré puis de rotring plus torturé, sculpteurs de bronzes sur socles dégoulinants de cire, peintres de l’odyssée des grands espaces de leur biker paumé de héros ; on les a vus déjà plusieurs fois à Zoo galerie (2004, 2007), à 40mcube (Rennes, 2008), au dernier Printemps de Septembre toulousain, chez Crèvecœur, leur galerie parisienne, et tout récemment au domaine de Chamarande.

Tout juste rentrés d’une année new-yorkaise, ils débarquent avec un intérêt renouvelé pour le noir, un noir puissant devenu la couleur fétiche de leurs empâtements désormais monochromes. L’architecture de Gotham City qui s’insinuait depuis dans leur peinture pour la parer d’une dimension rétro-futuriste se mue aujourd’hui en un néo-constructivisme allégé de sa dimension utopique première. Oscillant entre surépaisseurs maximales et légèreté de l’application au spray, le symbolisme ici à l’œuvre nous entraîne dans un ésotérisme sombre. The eighth sphere, (la planète des âmes perdues, pour les non-initiés à l’occultisme), se dessine à Zoo galerie comme un environnement pictural, tendu jusqu’à sa négation.

Un wall-painting inspiré de la technique de vaporisation d’aquarelle utilisée par Klee et Kandinsky —mais réalisé sauvagement à la manière des Splashers new-yorkais— pour écrin, les toiles des Quistrebert se délitent jusqu’à s’abolir dans leur principe même. Dialoguant avec des tableaux de facture plus classique, des croûtes noires et luisantes semblent couler du mur. La technique de leur Chrysler building (Chrys, 2009) que l’on connaissait s’affaissant vers le sol en une masse huileuse se radicalise ici : il n’y a plus de châssis, de toile ou même de peinture, juste une surface, une croûte. Et ce n’est pas l’abstraction du ballet d’ombres et lumières qui compose leur dernier film qui démentira ce nouveau formalisme à l’œuvre chez les deux frères.

Texte lors de leurs exposition à la Zoo Galerie en juillet 2010

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Texte

© Florian & Michael Quistrebert

16/01/2016
John Baldessari

John Baldessari, né le 17 juin 1931 à National City (Californie) est un artiste conceptuel américain, représentant du courant post-moderniste qui recourt notamment à la photographie.

De 1959 à 1968, John Baldessari réalise deux sortes d’œuvres : des peintures narratives, des toiles sur lesquelles des lettres sont peintes, et des Fichues Allégories, des photographies légendées en référence à l’histoire de l’art.

De 1969 à 1977, il réalise des films et des vidéos expérimentales.

À partir de 1980, il se consacre à la réalisation de tableaux constitués de photographies, d’images cinématographiques qu’il collectionne, recadre, colorise.

Depuis 2000, il ajoute des peintures à ses photo-collages.

Si l’image existe, il n’est pas nécessaire de la reproduire. C’est un poète visuel. Sa sensibilité le rapproche plus de la littérature que de l’histoire de l’art. Son approche d’apporter un sens supplémentaire à des expressions littéraires.

Il souhaite créer un choc par l’assemblage de ces images. Ce contraste devrait être source de magie. Il s’intéresse à des images qui représentent des moments difficiles ou expriment la fragilité des êtres.

Baldessari a reçu de nombreuses récompenses : en 2008, le Biennial Award for Contemporary Art, Bonnefantenmuseum, (Maastricht, Pays-Bas); American Academy of Arts and Letters en 2007 ; Archives of American Art Medal, (Washington, D.C.) ; le Rolex Mentor et Protégé Arts Initiative en 2006-2007 ; le Lifetime Achievement Award, Americans for the Arts, New York en 2005; et de l’American Academy of Arts and Sciences en 2004. Il a reçu le Lion d’or pour l’ensemble de son œuvre lors de la 53^e Biennale de Venise, en septembre 2009. En avril 2006, il fut élevé au rang de Doctor of Fine Arts, honoris causa, National University, Irlande¹.

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© John Baldessari

10/01/2016
Max Boufathal

Max Boufathal sculpte une mythologie personnelle, née de la rencontre de fragments de civilisations primitives et consuméristes. Alliant aussi bien figures religieuses, politiques ou blockbusters, son œuvre stimule les référents visuels ancrés dans l’imaginaire ; jouant de codes en opposition, elle crée le dépaysement.

Art d’une guerre contemporaine qui trouve ses racines dans les pratiques ancestrales, le sculpteur se fait sorcier invoquant les esprits de ses dieux noirs, de Martin Luther King à Jimmy Hendrix (“The Solar Fighting Bros”/”The Furious Snakes”). Il puise son inspiration aux origines, alliant guerre et sacré. Les figures de son armée thériomorphe, écorchées dont les plumes se mêlent au filandreux du muscle, évoquent les parures des guerriers Massai ou les costumes de Navajos “Skinwalkers”. La tension anatomique est lisible dans la précision de la structure, elle sublime le matériau profane. Les regards fixent le lointain, nous montrent une autre voie.

Dans l’arène de son atelier, Max Boufathal se prépare, anticipant un futur condamné à lutter pour sa propre survie. Recyclant, bricolant, il exploite une société en déclin, détournant la matière qu’elle produit pour créer des sculptures d’anticipation, au dessein “sociophage”.

“L’ennemi : l’Art”. S’attaquant à ce microcosme, les œuvres planifient la mort du système dont elles sont issues, assurant ainsi leur survivance.

Provocant, le projet aux résonances de science-fiction se révèle une véritable entreprise du “pouvoir”, manifeste utopique pour la conquête du territoire artistique.

Ces sculptures, partie visible d’un plan martial, se construisent selon une chaîne opératoire précise, établie sur plusieurs années. À la manière d’un rituel, chaque œuvre semble un geste symbolique fédérateur, processus d’apprentissage façonnant le guerrier et l’ancrage de son projet dans les esprits.

Le rituel final pourrait bien être une cérémonie, présentant dans son ensemble le “Triomphe de la Mort” activé grâce à une formule.

Texte issu de l’exposition NEW WORLD CONFUSION / association COOP

Toutes les oeuvres présentées sont propriétés de l’auteur Max Boufathal.

Crédit photographique : Claire Soubrier.

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© Max Boufathal

10/01/2016
Ellsworth Kelly

Ellsworth Kelly est né le 31 mai 1923 à Newburgh, dans l’État de New York, et mort le 27 décembre 2015 à Spencertown (Austerlitz), est un peintre et sculpteur abstrait américain dont l’œuvre peut être apparentée au courant du minimalisme.

In this 2007 Ellsworth Kelly piece, four separate oil-painted canvases combine to form a single work, Green Blue Black Red.

Il commence en 1941 des études d’art à New York, que la guerre interrompt bientôt. Mobilisé en tant que soldat de l’US Army, il se rend pour la première fois à Paris en 1944, puis y retourne, aidé par la G.I. Bill, qui lui permet d’étudier la peinture en 1948 après deux années d’études de 1946 à 1948 à Boston.

Il s’installe à Paris de 1948 à 1954, où il trouve l’orientation de son art, une simplification abstraite du tableau et une mise en volume de la peinture. Sa peinture ne prend toute sa dimension qu’avec l’espace qui l’entoure, elle n’existe alors plus en tant qu’objet mais comme motif sur le mur du musée. Kelly exploite la peinture comme élément architectural, comme si elle avait un poids et crée ainsi un ensemble de liens et de relations entre les formes et les couleurs qui forme un nouvel équilibre visuel caché.

Sa première exposition se tient à Paris en 1951. Puis, il retourne à New York de 1954 à 1969, où il expose assez régulièrement et effectue sa première vente vers un musée important en 1956. Par la suite il reçoit diverses commandes destinées à des espaces architecturaux.

Entre 1959 et 1963, il expose successivement pour le Museum of Modern Art à New York, à la Washington Gallery of Modern Art.

En 1969, il s’installe au nord de New York et le Museum of Modern Art de New York organise une rétrospective de son œuvre en 1973.

Il commence à faire des sculptures monumentales, reçoit divers prix et fait de nombreuses expositions aux États-Unis comme pour la sculpture en 1982 au Whitney Museum of American Art à New York ou en 1987, une Print Retrospective au Detroit Institute of Arts et Works on Paper au Museum of Fine Arts à Boston.

Yellow over Dark Blue 1964-5 Ellsworth Kelly born 1923 Presented by Mary Martin in memory of her husband Bill Morton 1989 http://www.tate.org.uk/art/work/P11222

Mais il expose aussi en Europe avec en 1981 une exposition à Amsterdam et au Musée national d’art moderne de Paris. Au début des années 1990, il fait une exposition de ses années de travail à Paris (1992). Il est aussi dans l’exposition New Displays à la Tate Gallery de Londres.

En 1996, il fait aussi l’exposition Ellsworth Kelly on the Roof au Metropolitan Museum of Art à New York. En 1999, Works on Paper 1948-1955 au Fogg Art Museum à Harvard et en 2002 Tablet: 1948–1973 dans The Drawing Center à New York.

© Ellsworth Kelly

03/01/2016
Hans-Peter Feldmann

Hans-Peter Feldmann (né en 1941 à Hilden) est un artiste contemporain allemand.

Dans les années 1960, Feldmann a étudié la peinture à l’Université des Arts et de Design Industriel de Linz en Autriche. Il a commencé à travailler en 1968 en produisant des livres à la main qui allait devenir une partie de la signature de son travail. Ces livres modestes, tout simplement intitulé Bilde (photo) ou Bilder (Images), comprendraient une ou plusieurs reproductions d’un certain type – les genoux des femmes, des chaussures, des chaises, des stars de cinéma, etc … leurs sujets isolés dans leur ubiquité et présenté sans légendes.

Photo Christian Marquardt/Getty Images

En 1979, Feldmann a décidé de se retirer du monde de l’art et juste faire des livres et des photos pour lui-même. En 1989, le conservateur Kasper König persuade Feldmann d’exposer dans une galerie à nouveau.

Hans-Peter Feldmann est une figure dans le mouvement de l’art conceptuel et de praticien dans le livre d’artiste et de multiples formats. L’approche de Feldmann à l’art de décisions est l’un de la collecte, de la commande et de représenter des instantanés d’amateur, imprimer des reproductions photographiques, des jouets et des œuvres d’art triviales. Feldmann reproduit et recontextualise notre lecture d’entre eux dans des livres, des cartes postales, des affiches ou des multiples. Feldmann a fait sa première série de livres entre 1968 et 1971. Les travaux du début des années 1970 comprennent 70 clichés illustrant tous les vêtements d’une femme et quatre projets de séries chronologiques, y compris, par exemple, une rangée de 36 photos d’un navire qui se déplace le long d’une rivière. La série de photographies prises à partir de Feldmann Hôtel Chambre de Windows tout en voyageant grappes 108 quelconques, des instantanés non encadrées de bâtiments, les rues et les parcs de stationnement. (Comme d’autres projets Feldmann, ce évoque catalogues photographiques de Ed Ruscha.) 11 Chaussures de gauche présente 11 chaussures empruntés à 303 Galerie employés, dans une rangée sur le sol. Que Sera a les paroles de la chanson de ce titre écrit à la main sur le mur. Chambres avec photographie simule partie d’une chambre d’hôtel avec un-in dormi lit, une table de chevet et une photo encadrée d’une femme en pantalon léopard.

Essais photographiques de Feldman pourraient avoir une singularité plus intime sous forme de livre. Son bookSecret Picturebook (1973) – est un, densément imprimée, tome savante épais avec de petites images des torses de femmes en sous-vêtements sexy inséré à intervalles. Il incarne les plus ostensiblement relation espiègle de l’artiste à la haute culture. Un autre livre, “Die Toten 1967-1993” reproduit des images de journaux de toutes les vies perdues à cause de la violence et du terrorisme qui a imprégné l’histoire allemande contemporaine.

Création d’installations soigneusement conçues à partir d’images de tous les jours est ce Feldmann est le mieux connu. En 2004-5 MoMA P.S. 1 a montré “100 Years”, une exposition composée de 101 portraits photographiques de personnes âgées de 8 mois à 100 ans. Et à l’International Center of Photography en 2008 il a rempli une chambre avec les premières pages encadrées de 100 journaux – de New York, Paris, Dubaï, Sydney, Séoul et ailleurs – imprimé le 12 septembre 2001.

© Hans-Peter Feldmann

wikipedia

28/06/2015
Maurizio Cattelan

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Maurizio Cattelan est un artiste italien né à Padoue le 21 septembre 1960. Il vit et travaille à New York.

Ses œuvres connaissent le succès à la fin des années 2000 sur le marché de l’art contemporain et chez les collectionneurs.

Enfant des rues, issu d’un milieu populaire, il débute par toutes sortes de petits boulots, mais sans succès et vit licenciement sur licenciement. Il travaille même à la morgue ce qui va le marquer et, qui sait, être à l’origine de son goût particulier pour le macabre. Au sujet de son enfance, il dit dans une interview :

« La pire période de mon existence. Les décisions sont toujours prises par quelqu’un d’autre : parents, professeurs… Je n’en garde aucun bon souvenir. »

Au début des années 1980, pour occuper son oisiveté, il se met à fabriquer des petits meubles en bois, qu’il tente de vendre, ce qui lui permet d’entrer en contact avec des personnalités du design comme Ettore Sottsass et le groupe de Memphis. Il fait alors éditer un catalogue de ses réalisations qu’il envoie par mailing aux galeries en un millier d’exemplaires. Cette action promotionnelle lui permet de faire une petite percée dans le milieu du design et de l’art contemporain.

Il décide alors de trouver sa place et de faire parler de lui par la provocation et les détournements, ou par la surprise : il plante des oliviers dans la cour d’institutions, présente une autruche empaillée avec la tête enterrée dans le sol, se balade déguisé en figurine avec une tête géante de Picasso, transforme son galeriste parisien en lapin rose et phallique, accroche sur un mur son galeriste milanais avec du ruban adhésif, crée la Fondation Oblomov.

Cattelan s’installe définitivement à New York au début des années 1990 dans un deux pièces de l’East Village qu’il occupe toujours, mais conserve son pied à terre à Milan. Il n’a pas d’atelier, juste un téléphone.

Il a créé plusieurs revues d’artistes (Permanent Food, Charley, Toilet Paper) dans lesquelles il publie notamment des images « volées » ou « empruntées » à d’autres magazines ou d’autres artistes.

Le musée Guggenheim de New York présente en janvier 2012 une rétrospective de son œuvre sur 21 années, intitulée « Maurizio Cattelan: All ».

Pour accentuer sa critique, Cattelan ouvre sa propre galerie new-yorkaise (la « wrong gallery »), galerie où rien ne se vend et qui est de toute façon fermée en permanence par simple contestation. Lorsqu’il ne veut pas se déplacer lui-même pour répondre, même de façon lapidaire, aux interviews, il n’hésite pas à envoyer son assistant et compère Massimiliano Gioni à sa place — une journaliste du New York Times s’est fait piéger.

Cattelan crée des œuvres qui font toujours scandale et donnent lieu à toutes sortes d’interprétations, jusqu’à mettre en cause la religion et le sacré, comme La Nona Ora, sculpture qui représente une effigie, en cire et grandeur nature, du défunt pape Jean-Paul II terrassé par une météorite. L’artiste n’apprécia d’ailleurs pas la revente de La Nona Ora par son collectionneur ; pour illustrer son mécontentement, il scotcha son galeriste (Massimo De Carlo) au mur afin qu’il se vende lui-même.

Il ne fabrique jamais ses pièces et utilise parfois des acteurs pour ses performances. En 1994, il persuade le célèbre galeriste Emmanuel Perrotin de passer un mois déguisé en lapin rose et pénis marchant, Errotin le Vrai Lapin. À une autre occasion, il fait pédaler sur place les gardiens du musée où on lui demande d’exposer.

Cattelan base donc son art sur le tragique, le drôle mais, surtout, la provocation. Il veut marquer les esprits, à tel point que des accidents se sont déjà produits ; à Milan, sur la place du 24-Mai, où il avait pendu trois mannequins d’enfants à un chêne, un homme outré s’est fendu le crâne en voulant décrocher ces sculptures. L’œuvre a été retirée — mais l’incident a été largement popularisé par le journal télévisé — et continue d’exister à travers les documents d’actualité de l’époque.

Sa sculpture Him, réalisée en 2001, connut un énorme succès.

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27/06/2015
Boris Achour

Boris Achour, né à Marseille en 1966, est un artiste français. Il est cofondateur, en 1999, de Public, à Paris, un espace d’art contemporain géré par des artistes et curateurs indépendants. En 2002, il cofonde Trouble, une revue d’essais critiques, avec Claire Jacquet, François Piron et Émilie Renard, qui sont rejoints, en 2005, par Guillaume Désanges.

Il enseigne à l’École nationale supérieure d’arts de Cergy-Pontoise depuis janvier 2010.

Les actions-peu sont des interventions anonymes et éphémères réalisées dans l’espace public, le plus souvent avec des éléments trouvés sur place. Les premières ont été photographiées et présentées sous forme de diaporama. À partir de 1995, elles ont été filmées en vidéo.

En 2012 dans le cadre de son œuvre “séances “(Un spectacle en forme d’exposition, une exposition sous forme de spectacle, un récit sous forme d’images de sons et de sculptures, un montage d’éléments hétérogènes, construit par le spectateur.) Boris dit : « j’ai envie de développer et de mêler certains des aspects les plus importants de mon travail de ses dernières années. J’ai envie d’échelles spatiales et temporelles différentes. J’ai envie de proposer une forme qui s’apparente autant au spectacle qu’à l’exposition. J’ai envie d’un récit qui puisse être raconté avec autre chose que des images ou des mots. »

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JOUER AVEC DES CHOSES MORTES

Œuvre-exposition au sein de laquelle le spectateur déambule dans un environnement plongé dans la pénombre où seuls des objets souvent hors d’échelle – une saucisse géante, des barrières de jardin, un iceberg, des sacs, un pupitre, des massifs de fleurs – sont éclairés de manière théâtrale. Sur un écran suspendu est projeté un film montrant cinq personnages manipulant méthodiquement chaque sculpture, dans une indétermination volontaire entre la pantomime, le burlesque ou la danse. Le film propose au spectateur, qui y reconnaît les objets présents dans l’espace, un rapport perturbé à la temporalité : quelque chose a eu lieu, ou pourrait avoir lieu. Jouer avec des choses mortes offre une expérience physique et temporelle qui associe de manière improbable l’esthétique des jeux télévisés, la sculpture minimale, les décors et éléments de spectacles d’écoles maternelle et de parcs d’attractions.

Ce à quoi il ajouta qu’il souhaité développer des collaborations avec des écrivains, desdanseurs, des acteurs et des musiciens.

Aussi Boris Achour, mène son œuvre vers un objectif différent, il désire inventer de nouveaux modes de travail, de production et de diffusion.

© Boris Achour

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20/06/2015
William Kentridge

William Kentridge a passé une licence de sciences politiques et d’études africaines, puis un diplôme aux Beaux-Arts de Johannesburg. À la fin des années 1970, il a étudié le mime et le théâtre à l’École Jacques Lecoq à Paris.

Entre 1975 et 1991 il était acteur et metteur en scène à la compagnie de théâtre de Junction Avenue à Johannesburg. Dans les années 1980 il a travaillé sur des téléfilms et feuilletons comme directeur artistique.

En 1989 il a créé sa première œuvre d’animation, 2^nd greatest city after Paris, dans la série Drawings for projection. Dans cette œuvre il a utilisé une technique qui est devenue une caractéristique de son travail : des dessins au charbon ou fusain successifs, toujours sur la même feuille de papier, contrairement à la technique traditionnelle d’animation dans laquelle chaque mouvement est dessiné sur une feuille séparée. Ainsi, les vidéos et films de Kentridge conservent les traces de ses dessins antérieurs. Ses animations traitent de sujets politiques et sociaux d’un point de vue personnel et parfois autobiographique, puisque l’auteur inclut son autoportrait dans certaines de ses œuvres.

Cambio 1999 by William Kentridge born 1955

Kentridge a utilisé la même technique dans ses animations, Sobriety, obesity and growing old (1991), Felix in exile (1994), History of the main complaint (1996) et Stereoscope (1999). En 1999 il a créé Shadow procession avec des découpes de carton noir sur des pages de livres et des cartes. Il a été exposé à la Documenta X de Kassel (1997); à la 24e Biennale de São Paulo (1998); et à la Biennale de Venise (1999). Il a eu des expositions personnelles à Londres, New York, Sydney, Kyoto et Johannesbourg. Il faisait partie des six artistes sélectionnés pour le prix Hugo Boss d’art contemporain en 1998. Il est d’autre part metteur en scène d’opéra, notamment Wozzeck (Berg), la Flûte Enchantée (Mozart), le Nez (Chostakovitch). Il a aussi collaboré avec le compositeur François Sarhan pour un spectacle musical “Telegrams From the Nose”. En 2010 le musée du Jeu de Paume accueille l’exposition monographique, rétrospective: William Kentridge, cinq thèmes où sont présentés, entre autres, I am not me, the horse is not mine(installation vidéo mise en musique par Philip Miller) qui fait partie des travaux préparatoires à sa dernière mise en scène : Le Nez, opéra de Chostakovitch, coproduit et présenté par le MET de New York (mars 2010), le festival d’Aix en Provence (juillet 2011) et l’opéra de Lyon (octobre 2011). En parallèle, il présente au musée du Louvre une exposition sur le thème de l’Égypte: Carnets d’Égypte (l’artiste expose ses dessins à côté des œuvres du musée, ses vidéos sont projetées dans le lit à baldaquin de Louis XIV)et la performance musicale “Telegrams From the Nose”.

La Documenta de Kassel de 2012 présenta son nouveau projet multiforme autour de la notion de temps, réalisé en collaboration avec le scientifique américain Peter Galison.

© William Kentridge

Galerie de l’artiste : Marinan Goodman

William Kentridge aux Jeu de Paume

15/06/2015
Ai Weiwei

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Ai Weiwei (chinois : 艾未未), né le 18 mai 1957 à Pékin, est un des artistes majeurs de la scène artistique indépendante chinoise, à la fois sculpteur, performer, photographe, architecte, commissaire d’exposition et blogueur.

Il est le fils du poète et intellectuel Ai Qing (1910-1996), et demi-frère du peintre Ai Xuan. Il est marié à l’artiste Lu Qing. Il a un fils, Ai Lao.

Ai Weiwei – Template – 2007

Ai Weiwei, Urne de la dynastie Han avec un logo Coca-Cola, 1994

Ai Weiwei, Étude de perspective — Tiananmen, 1995-2003 © Ai Weiwei

Ai Weiwei, Photographies du blog 2005-2009

Architecte, il a été conseiller artistique pour le cabinet d’architecture suisse Herzog & de Meuron lors de la réalisation du stade national de Pékin construit pour les Jeux olympiques d’été de 2008.

Il est l’un des 303 intellectuels chinois signataires de la Charte 08. Dans son classement annuel, le magazine Art Review l’a désigné comme la figure la plus puissante de l’art contemporain en 2011 : « Son militantisme a rappelé comment l’art peut atteindre un large public et se connecter au monde réel ».

Ai Weiwei – Sunflower Seeds – 2010

Ai Weiwei – Sunflower Seeds au Turbine Hall de la Tate Modern, octobre 2010.

Ai Weiwei a été arrêté par la police le 3 avril 2011, officiellement pour évasion fiscale, et libéré sous caution le 22 juin 2011, après 81 jours d’enfermement dans un lieu inconnu et des conditions dégradantes, ce qui avait soulevé une vague d’indignation à travers le monde. Il reste en liberté conditionnelle et ne peut quitter Pékin sans autorisation.

Ai Weiwei – 886 tabourets en bois antique -Bang – pavillon allemand de la Biennale d’Art de Venise 2013

Ai Weiwei – 886 tabourets en bois antique -Bang – pavillon allemand de la Biennale d’Art de Venise 2013

© Ai Weiwei

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14/06/2015
Thomas Demand

Thomas Demand

Thomas Demand in his Culver City studio in Los Angeles, CA on Thursday, May 23, 2019. Photograph by Casey Kelbaugh

Thomas Demand, né en 1964 à Munich (Allemagne), est un photographe et artiste contemporain franco allemand. Grand passionné de la photographie, il invente des maquettes en papier, les photographies avant de les détruire. Il suit ses études à l’Académie der Bildenden Künste de Munich (1987-1989), au Munich au Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf (1989-1992), à la Cité des Arts à Paris (1992-1993), et au Goldsmiths College à Londres (1993-1994).

En 1994, il reconstitue le bunker de Hitler où il échappa de justesse à un attentat. En 1999, il reproduit le tunnel à deux voies du pont de l’Alma où Lady Di a trouvé la mort. Sa dernière installation est la reconstitution de l’ambassade du Niger à Rome où les Américains ont affirmé en 2003 avoir trouvé des documents établissant que l’Irak fabriquait de l’uranium enrichi, établissant un lien trouble entre des fausses preuves réelles et son faux décor, la photographie devenant une arme politique.

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© – Thomas Demand

14/06/2015